Jack DeJohnette - Made In Chicago (2015, ECM)

En vivo en el Festival de Jazz de Chicago, 2013. El legendario baterista Jack DeJohnette (del trío de Keith Jarrett entre otros grupos) fue invitado a participar en el festival con el repertorio y músicos que él quisiera. Con esta carta libre vio la oportunidad para reencontrarse con sus viejos compañeros de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians). Esta es una organización sin fines de lucro que desde mediados de los 60's fue un semillero de creatividad y cultura en Chicago, en donde se incentivaba la música original, se intercambiaban ideas en torno a la espiritualidad y su expresión en la música, la "negritud", el legado africano, etc; se organizaban festivales y conciertos, y también funcionaba una escuela de música gratuita para los jóvenes locales del ghetto, todo con un enfoque muy centrado en la problemática social y racial del momento. En esta formación están algunos de sus miembros fundadores, verdaderas leyendas vivas de la historia del jazz. De una parte muy singular de su historia.

Volviendo al disco, las composiciones que tocaron son de los miembros del grupo. El sonido, si bien tiene tintes de avant-garde, y explosiones de improvisación caótica, está sostenido por un groove firme en la mayoría de los temas, que, repito, son composiciones escritas y que fueron practicadas en un ensayo previo al recital. La espontaneidad está en cada nota y el entusiasmo y alegría del público es un reflejo de eso, como lo son también las risas incrédulas de los músicos al terminar cada tema, como sorprendidos por ellos mismos y lo que acaba de pasar.

Me encuentro volviendo a este disco una y otra vez. Imposible cansarse de escuchar música así. 

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Keith Jarrett, Charlie Haden, Paul Motian - Hamburg '72

El Keith Jarrett con el que más estoy familiarizado, y tal vez el que más me gusta, es el trio yanqui con Jack DeJohnette y Gary Peacock, que por cierto aún está activo despues de más de 30 años. Su reinterpretación de los standards es fantástica y siempre refrescante. Pero en este caso el trío es otro, anterior, y muy muy distinto. Todas las composiciones son propias. No hay standards. En la batería Paul Motian, del que ya he hablado mucho. Mi baterista de jazz preferido. En el contrabajo, Charlie Haden, quien me estoy dando cuenta de que es de mis bajistas preferidos también. Tiene un sentimiento profundísimo, un gran sentido melódico. y una voz muy propia. 

Este material, originalmente grabado en vivo en 1972 en Hamburgo, fue mezclado para su lanzamiento actual el 12 de julio de 2014. 42 años después de su interpretación, y, no casualmente, al día siguiente de la muerte de Charlie Haden. Resulta que Manfred Eicher, el jefe del sello ECM, al enterarse de la muerte de tan querido y legendario músico, decidió sin demoras la mezcla y edición de este disco, a modo de homenaje. 

La impresión al escuchar la música es como abrir el cofre de un tesoro antiguo. Sonidos de otra época, un grupo que ya no existe, una actitud de explorar comprometida pero también relajadamente, con percusiones, castañuelas, flautas.... un sonido con aires de algo que la posteridad daría en llamar "world music", pero que todavía no existía. También hay momentos bastante "free", como en el tema justamente titulado "Piece for Ornette", en referencia a Ornette Coleman, el impulsor del primer free jazz, de cuyo gran grupo Charlie Haden fue miembro.  Pero la perla de todo el disco para mí son las frecuentes incursiones de Jarrett fuera del piano, puntualmente en el saxo soprano y la flauta. Los toca sin el profesionalismo de alguien que dedica su vida a esos instrumentos, sino más bien con un aire sucio, visceral, ayudado por recursos que no sé describir pero que son definitivamente planeados para lograr ese efecto. El más notable es cuando en la flauta, canta con sus cuerdas vocales la misma nota que está soplando, lo que crea un efecto de doble sonido muy primal y extraño. Ni hablar que cuando se sienta al piano sigue siendo nada menos que Keith Jarrett, lo cual ya es promesa de maravilla pura. Se la pasa improvisando pequeños momentos musicales que aparecen de la nada, y jugando con sus dos compañeros de viaje. El resultado es un disco disfrutable de principio a fin. Sé que ese recital duró casi el doble de lo que tenemos en este disco, porque tengo por ahi un imperdible registro en video. Me pregunto por qué dejaron afuera tantos otros temas. Tal vez la intención era lograr un material más conciso y que no sea cansador. Puede ser que hayan hecho bien. Me encanta. Recomendadísimo.

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Mark Turner - Lathe Of Heaven (2014)

No necesito presentar otra vez a ECM, un sello alemán al que siempre le tengo echado un ojo, y que me da un puñado de alegrías por año. Esta vez tenemos el debut para esta discográfica del consagrado saxofonista Mark Turner, de 48 años, que no es ajeno al sello, ya que ha trabajado mucho de sideman en albumes de otros músicos, incluyendo la entrada anterior de este blog, además de tener un par de discos bajo el trío Fly, con Jeff Ballard y Larry Grenadier. Turner también tiene varios discos a su nombre en otros sellos. De todas formas éste es su primer album como líder en 13 años, lo cual es todo un acontecimiento. La característica que más destaco en este disco es la ausencia de un instrumento armónico como piano o guitarra que provea de acordes que sirvan de hilo conductor en las composiciones. La formación es: saxo, trompeta, contrabajo y batería. De esta forma los vientos tienen una enorme libertad para tocar, y esto queda en evidencia en cada tema, pero al mismo tiempo se deben la responsabilidad de no pisarse entre sí y lograr un diálogo interesante y consistente. También hay lugar para unos excelentes solos individuales, que quedan en formato trío acompañados sólo por la base rítmica, que por cierto es brillante. Según las propias palabras de Turner, lo que él busca es "misterio y tensión". Uno no va a captar todo lo que está sonando desde un principio. Tiene que existir un misterio que se vaya desenvolviendo a lo largo de la escucha. Creo que el efecto se logra totalmente.

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Stefano Bollani - Joy In Spite Of Everything (2014)

Stefano Bollani, pianista italiano nacido en 1972 y apadrinado por un compatriota, el consagrado trompetista Enrico Rava (quien se merece una entrada aparte en este blog... en algún momento) debido a sus múltiples colaboraciones con aquél en la última década. En este disco recién salidito del excelente sello ECM, en esta segunda mitad de 2014, lo encontramos liderando un quinteto, lo cual no es muy frecuente, al menos en lanzamientos discográficos. El bajista Jesper Bodilsen y el baterista Morten Lund, ambos de nacionalidad danesa, vienen trabajando con él desde hace diez años, y son los mismos de su anterior disco en formato trío para ECM, Stone In The Water (2008), que tiene un sonido sutilísimo y tan íntimo que cuesta adentrarse. En esta ocasión, el quinteto abre un poco el espectro, completando la formación con dos estadounidenses, el saxo de Mark Turner, y la guitarra de mi ídolo personal Bill Frisell. 

El disco abre con el hermoso "Easy Healing", que desde las primeras notas ya hace honor al título del album. Se percibe una alegría y esperanza a través de la música que elevan el espíritu y seguramente ellos los sintieron así al tocar. Y Bill Frisell viene como anillo al dedo, con sus dulces tensiones bluseras y sus sonidos largos y abiertos. No sería lo mismo sin él. El contagio es inevitable. 

También hay lugar para jugar con la formación del grupo: dúos, tríos, cuartetos en distintas combinaciones, que diversifican el sonido del disco. Toda la música consiste en originales de Bollani escritos para esta ocasión y pensando en estos músicos. El sonido característico del sello ECM está presente: Músicos en una habitación. Se escucha la habitación. Intimidad, espacio. Búsqueda.... y "alegría". En realidad "joy" podría traducirse como "dicha". La dicha de encontrarse, y tocar juntos. A pesar de todo.

Tal vez lo único que podría objetarle a este disco es su duración: 75 minutos. Un poco largo si uno está acostumbrado a escuchar los clásicos LPs de 45 minutos. Por momentos uno se distrae, se cansa, o tiene que interrumpir la escuchar para hacer otra cosa. De todas formas: no corresponde quejarse por tener demasiado de algo tan bueno.

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Paul Motian - The Story Of Maryam (1984)

Paul Motian, baterista de un gusto y sutileza impecables, pero sobre todo líder. En este album debut para el sello italiano Soul Note, compone todos los temas, y se acompaña por músicos especialmente seleccionados para lograr el sonido buscado: Ed Schuller en contrabajo, dos saxos tenores (Jim Pepper y Joe Lovano), y una guitarra eléctrica extrañísima y cargada de efectos, a cargo de nada menos que Bill Frisell, que a mi entender eleva toda la sesión a otro nivel. El resultado en conjunto es único y estimulante. Tanto en los momentos más furiosos ("Look To The Black Wall") como en los más tranquilos ("The Story of Maryam"), prevalece un aire meditativo, etéreo y de extraña belleza. En una década en que tantas frivolidades y comercialismos copaban los medios, y el jazz "del bueno" escaseaba, o ya era una pieza de museo, este disco mira hacia adelante y es un faro en la noche.



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Liner notes:

Side A
9 X 9 7'10"
5 Miles To Wrentham 4'54"
The Owl Of Cranston 8'15"
Side B
Trieste 5'45"
Look To The Black Wall 6'42"
The Story Of Maryam 5'47"

All compositions by Paul Motian,
Yazgol Music - BMI

Jim Pepper: tenor and soprano saxophone
Joe Lovano: tenor saxophone
Bill Frisell: electric guitar
Ed Schuller: bass
Paul Motian: drums

Recorded July 27 and 28, 1983 at Barigozzi Studio, Milano Engineer: Giancarlo Barigozzi
Mastered at PolyGram, Tribiano (Milano) Engineer: Gennaro Carone

Producer: Giovanni Bonandrini
Cover Painting and Design: Susan Woldman
Cover Photography: lsio Saba
Typography & Layout: Newstyle

For listener information. The saxophones solos are:
9 X 9: Jim Pepper / Joe Lovano / Jim Pepper and, after the bass solo, Joe Lovano.
5 Miles To Wrentham: Joe Lovano / Jim Pepper.
The Owl Of Cranston: Joe Lovano / Jim Pepper.
Trieste: Joe Lovano / Jim Pepper.
Look To The Black Wall: Joe Lovano / Jim Pepper and again Joe Lovano / Jim Pepper.
The Story Of Maryam: Joe Lovano / Jim Pepper.

SOUL, NOTE SN 1074
Paul Motian is a percussionist and composer of rare grace and intensity. An index of the range of his imagination is his credits. He has worked with Bill Evans, Paul Bley, Keith Jarrett, Mose Allison, Arlo Guthrie, Charles Lloyd, Roswell Rudd, Gato Barbieri and Don Cherry, among others. Motian also leads his own groups and records under his own name as well as a sideman. This album is an especially powerful distillation of Motian's multiple skills as player, writer, and leader. Most of the songs are connected, in memory and sound, to Motian's childhood in Providence, Rhode Island.

9x9 refers to a series of nine notes played in time at the end of the piece, and the repetition of those notes hooked up to a memory of the merry-go-round on which Motian used to ride as a kid in Crescent Park, an amusement park on the outskirts of Providence.
5 Miles to Wrentham, though it sounds like an English nursery rhyme, comes from Motian's memories of walking from Providence to nearby Wrentham when he was a boy. "It was brought to mind," he says, "when, after playing Boston, a while ago, I was driving to Providence and saw a sign, 5 Miles to Wrentham. Musically, I also had Bill Evans in mind - the way the harmonies are, the sadness in the piece, and the delicacy of Bill's sound."
The Owl of Cranston is so titled because Motian has a sister living in Cranston, Rhode Island, and one time when he was staying with her, he heard an owl outside the house.
Trieste is a Paul Motian original that was recorded some years ago by Keith Jarrett. Motian has reworked the piece for this set. Although Motian had been in Trieste once when he was in the Navy, this title came from Keith Jarrett who prides himself on his ability to think up the right title for the right tune.
Look to the Black Wall is the evocation of what happens when you close your eyes and, says Motian, "you see blackness in the back of your eyelids."
The Story of Maryam is the third song written by Motian for the three women who brought him up. Rebica was for his mother; Victoria for one of his mother's sisters, and Maryam for the third sister. The family is from Turkey but is Armenian, and Motian's mother was still in Turkey during the massacre of the Armenians there. She escaped.
Of the strong sidemen on this date, Motian says of Jim Pepper (tenor saxophone and soprano on The Story of Maryam) that he comes from Oregon and that he is an American Indian (his father a Kaw, his mother a Creek). He has worked with Don Cherry, John Hicks, and Randy Brecker, among others, and got considerable play from an album in the early 1970's, Tepper's Pow Wow which included "Wit-chi-to," based on native Indian songs. "I like Jim Pepper sound," Motian says, "and the way he plays. He offsets Joe Lovano, whose sound is more traditional, sort of coming from Coltrane. Pepper is kind of post-Coltrane. Joe Lovano has worked with the big bands of Mel Lewis and Woody Herman as well as with Lonnie Liston Smith, Jack McDuff, and Carla Bley. Lovano also teaches music at Rutgers University. "He's very good," says Motian. "Very quick. He knows a lot about forms and changes and tunes. He has a good head, good memory, I trust him." Bill Frisell, a guitarist who tells a story with each note, was recommended for this date by Pat Metheny. He moves around quite a bit, having been at the University of North Carolina, the Berklee School of Music in Boston, along with having lived a few years in Belgium. Frisell has worked with Jan Garbarek and Eberhard Weber, and has recorded with Chet Baker Frisell has also done a solo set for ECM. Bassist Ed Schuller has worked with Lee Konitz, Ricky Ford, Ran Blake, and Pat Martino. Motian says of his work: "I like his sound, his enthusiasm, his ability, his knowledge. Of the different bass players I listened to for this album, Ed sounded the best for my music. One thing about him is that he sounds good if he's playing tunes with changes or playing something totally free. Whatever it is, he covers it." So does Paul Motian in this set in which the horns are really "speaking" horns, and everyone is searching, thrusting, and surprising themselves. And thereby you.
Nat Hentoff
c 1984 Soul Note Y 1984 Soul Note IREC Milano

Jim Hall - Newport Jazz Festival 2013 (webrip)

Jim Hall murió esta semana, el 10 de diciembre de 2013, a los 83 años. Como homenaje dejo un rip del stream de su set en el Newport Jazz Festival 2013, donde tocó acompañado de otro guitarrista que podría ser su nieto o bisnieto. El increíble Julian Lage, de 25 años.

Personnel

    Jim Hall, guitar
    Scott Colley, bass
    Lewis Nash, drums
    Julian Lage, guitar

Set List

    "Big Blues" (Hall)
    "All the Things You Are" (Kern, Hammerstein)
    "My Funny Valentine" (Rodgers, Hart)
    "In a Sentimental Mood" (Ellington)
    Free Improvisation
    "Aatrice" (Lage)
    "St. Thomas"

Se escucha muy bien el audio.

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J.D. Allen - Grace (2013)

Uno debería saber que, como no se juzga un libro por su portada, tampoco debería juzgarse un disco por su arte de tapa. Muchos grandes músicos tienen discos cuyas tapas son geniales, pero es obvio que no se puede usar esto como criterio. Particularmente veo que es muy frecuente en el mundo del jazz, que la tapa consiste en el músico fotografiado con su instrumento. Por Dios, qué falta de imaginación. Qué poca atención que algunos artistas le prestan a algo tan importante como la "cara visible" del disco. Recorriendo blogs he pasado de largo sin piedad centenares de discos sólo por esto, por tener una tapa ofensivamente mediocre. Lo mismo me pasó con este: otro negro con sombrerito posando para la foto con su saxo. Creo que varios meses después de haberlo visto por primera vez, por alguna razón que ya no recuerdo, decido darle una oportunidad. Y descubrí que estuve muy cerca de perderme un gran disco. Inmediatamente captura mi atención ese sonido post bop que tanto me gusta: un poco fracturado, libre pero lejos de ser caótico. En muchas partes hay una aparente disociación entre los instrumentos, muy sutil, donde parece que cada uno está un poco distanciado de los demás, por afuera del círculo, y esto me produce el efecto contrario: le da al sonido grupal un plus de coherencia. El resultado es un bloque monolítico. No requiere muchas escuchadas, ni una "digestión". El efecto atrapante es inmediato, Hay mucha armonía, melodías, pero también mucho sugerido, insinuado, igual que el ritmo. Nunca una obviedad; ni un sólo cliché en 56 minutos. Por momentos me parece encontrar influencia de los grupos de Miles Davis y John Coltrane de mediados de los 60's, -que fueron un quiebre con la tradición- pero sin ser una imitación vacía, sino sólo una moderada influencia en una propuesta con personalidad propia. Pienso indagar más en el pasado reciente de este tal J.D. Allen, y tenerlo en cuenta para el futuro.

Otro de los discos del año para mi.

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